Since its creation in 2013, Lois Weinberger’s Garten has been growing and flourishing in Innsbruck — first in the courtyard of the Georgskapelle (Altes Landhaus), later on the University’s forecourt. The work has recently found a new home in the countryside, growing naturally into itʼs surrounding habitat.
After the Rain is an installation that presents an audio recording made by Coupe alongside the means of its making. Recorded in Chopwell Woods in West Gateshead, After the rain documents the sounds emitted from a series of high voltage power lines traversing the woodland, which are loudest when the air around the lines is damp. The piece was recorded with provisionally assembled parabolic microphones, fashioned from lapel microphones and domestic objects such as umbrellas, bowls, lampshades, woks, paint rollers, and decorators’ poles. Presented as a sinister group pointing collectively out of the space like banks of satellite dishes or observatories tracking some distant and unknown activity, the sound has a powerful effect due to both the physicality of the low frequency buzz and hum, and also because of our familiarity with the experience of being near such structures and the massive voltage and danger of death that they imply. This rendering of the sublime is put in contrast by the contingent sounds of the world around; a bee buzzing around the microphone, an aeroplane in the distance, far away cars and sporadic birdsong bring back an unhurried sense of pastoral beauty, creating an atmospheric fog of sound in the gallery space, to be felt as well as heard.
Soliloquy, a double-screen projection, follows a veiled woman, the artist herself, taking parallel journeys in two different cultural landscapes. In one video she is depicted in a middle eastern city on the edge of the desert (Mardin, Southern Turkey), while in the other she is in a western metropolis (NY). For most of the duration of the work, the action in the films alternates between the two settings. When the woman on one screen is active, walking from place to place, her counterpart in the other projection stays still, often staring directly at the camera and thus appearing to watch her alter ego on the opposite screen. At these moments her face seems to register recognition and longing. The mirroring and doubling effect in Soliloquy relates to cultural critic Edward Saidʼs description of the state of exile. In his essay «Reflections on Exile», Said (1935-2003) wrote, «For an exile, habits of life, expression or activity in the new environment inevitably occur against the memory of these things in another environment. Thus both the new and the old environments are vivid, actual, occurring together contrapuntally».
The reciprocal presence of evil and (to) live is elementary and inescapable in the Berlin artist’s photographs, videos and sculptures. Not all of his works are so viciously scathing, hard to digest or filled with a steadily swelling sadness. Some reveal unexpected architectonic spatial solutions, display childlike enthusiasm, prompt a shake of the head, or have a penchant for the often morbid Viennese humour.
These visualisations of often overseen situations are neither moralising or confrontational. They offer and nurture a tender vulnerability, one that prompts us to actively pause and linger with the gravity of it all. Like a juggling act of all the emotions stirred, we are torn between the decision to immerse in the suffering of the world or betray our empathy and proceed to the next agreeable motif. Decide for the first, we abruptly find ourselves in the temporality of active standstill. For Lars Eidinger this stasis is equal to death. Death renders life appealing, its stagnation draws nourishment from the emotive dynamism of life.
«Good as the opposite of evil is, in a sense, equivalent to it, as is the way of all opposites,» writes Simone Weil.
from: Andrea Kopranovic, LIVE EVIL (Lars Eidinger), Alba Gallery, Wien, Februar 2022
Simone Weil, Gravity and Grace, London-New York 1952 (1947), S. 70
20.05–25.09.2022
Val Gardena, Dolomites
www.biennalegherdeina.org
www.iffi.at
Zu den wesentlichen Bedrohungen unserer Zeit gehören globale Erwärmung, das stetig wachsende Gefälle von Arm und Reich, Kriege und Konflikte um natürliche Ressourcen, sowie deren fortschreitende Ausbeutung, der Verfall demokratisch sicher geglaubter Errungenschaften von Freiheits- und Menschenrechten und die zunehmende Aushöhlung von auf Fakten und Tatsachen basierenden Entscheidungen.
Antworten auf diese Probleme scheinen unmöglich zu sein – nicht, weil sie nicht gelöst werden können, sondern weil sie eine radikale Änderung des Verhaltens von uns allen erfordern. Das Verbergen der Schwierigkeiten und Probleme, denen wir uns nicht stellen wollen, ist ein individueller psychologischer wie auch ein kollektiver gesellschaftlicher Mechanismus, den wir alle kennen.
Was wird unter den Teppich gekehrt, hier und in der gesamten europäischen Gemeinschaft? Die Kunstinstallation UNTER DEM TEPPICH bietet Bilder einer Nation, die sich auf die politische, kulturelle, soziale und Medienlandschaft innerhalb oder außerhalb eines bestimmten europäischen Landes beziehen. Nach Stationen in Deutschland, Kroatien und Slowenien erheben God‘s Entertainment dieses Mal das „österreichische Nationalgewebe” und bringen es, am seidenen Faden hängend, in die Schwebe. Um diese multimediale Collage besuchen zu können, müssen die Zuschauer*innen selbst dorthin, wo alles Vergessene und Verdrängte sich sammelt: unter den Teppich.
Die Identität, die hinter jeglicher Tätigkeit steht und an dieser Stelle bildsprachlich befreit wird, erzeugt eine neue Wirklichkeit und Rezeption der Tätigkeit. Uber diese nachgestellte Bildsprache entdeckt sich eine möglich endlose Entwicklung der Machtmechanismen und Veränderbarkeit des Körpers, strukturiert sich eine neue Wahrnehmung der Provinz, eine künstlerische Auseinandersetzung mit Tradition, Patriotismus, der katholischen Kirche, Heldentum und ihren Rollen in der Gesellschaft. Hier stellt sich die Frage des Vertrauens zur künstlerischen Arbeit, die Frage der Wechselwirkung zwischen Fiktion und Realität und die Frage des individuellen Verhältnisses zu den Bildern bzw. ihrer Referenz. Diese Bilder reflektieren das Bewusstsein des Zuschauers und seine Selbstbestimmtheit zur politischen Position der Sujets.
Alle Bilder entsprechen der Realität, welche in der Provinz immer wieder vermieden wird. Diese Realität ist Tiroler Realität, die wir nicht im Dunkel lassen dürfen, weil sie aus einer Schule der Tradition kommt, in welcher eine ländliche Erziehungsform herrscht. Diese Form der Tradition entspringt zu Hause und verpflichtet jeden: diese Fälle, welche die Bilder reflektieren, muss man vermeiden weil sie unserer Tradition schaden und versuchen Schande aufs Land, auf Familienruf und die katholische Kirche zu bringen. Sie führen zur Erniedrigung des Menschen und so zur ländlichen Gesellschaft. Man darf nicht vergessen: Bisch a Tiroler, bisch a Mensch. Ebenso darf man nicht vergessen, dass unser Land, unsere Familie und unsere Kirche die Prioritäten sind! Dieses Heilige Trio wird hier nie zum Verzweifeln kommen. Bevor eine Möglichkeit zur Verzweiflung besteht oder bevor solche Bilder in die Öffentlichkeit kommen, muss man sie verhindern und besiegelt aus Tirol vertreiben.
Was hallt nach? Gibt es noch Spuren, Orte, die das „von Gestern“ aufleben lassen? Das Nachleben faschistoider Ästhetik ist nicht immer eindeutig erfahrbar. Es ist die wandelnde Fortdauer unterschwelliger Bilder, vielfach überschrieben, umgedeutet und neu interpretiert, mal da, mal dort, merklich sichtbar. Die Performance entlarvt die faschistoide Ästhetik als nicht ausschließlich historische Tatsache, sondern als eine fluide, zeitgenössische Bilderzählung.
The performative photographic work MISSING negotiates the politics of visibility and memory through the processes of development in photography. If photography is the preservation of memory, the capturing of life, the question arises what happens to memory when the images no longer exist. In Austria in the 20th century, countless people disappeared from the collective memory together with their stories, because the memory of them was never fixed.
MISSING will allow the audience to experience this fluid, elusive transition from coming into being, to being, to being forgotten.
————————————
CO-Partner / In Cooperation with Dr. Horst Schreiber, erinnern.at / PH Tirol
Nada Prljaʼs work challenges the critical discourse around issues of politics, nationalism, transitional experiences of former socialist countries (and their populations), human rights, and migration. In her work, she engages with the political and historical context of a particular site and situates it within its underlying social context. These themes are also present in her work AUSTRIA(N). Innsbruck becomes the public exhibition space for this intervention, which uses T-shirts hand-painted with the title in the various native languages of immigrants. Prlja thus contests the entrenched notions of national identity and proposes an alternative (expanded) definition of what it means to be Austrian while also defining, isolating, and framing identity as something unique.
Nada Prljaʼs work challenges the critical discourse around issues of politics, nationalism, transitional experiences of former socialist countries (and their populations), human rights, and migration. In her work, she engages with the political and historical context of a particular site and situates it within its underlying social context. These themes are also present in her work AUSTRIA(N). Innsbruck becomes the public exhibition space for this intervention, which uses T-shirts hand-painted with the title in the various native languages of immigrants. Prlja thus contests the entrenched notions of national identity and proposes an alternative (expanded) definition of what it means to be Austrian while also defining, isolating, and framing identity as something unique. For her installation Accept and Continue, produced site-specifically for the chapel of St. George in the courtyard of the County of Tyrol, Nada Prlja chose the word for the personal approval of cookies from the 51 most popular newspapers and mounted it on metal bars at eye level.
«We, as internet users need to agree with cookies, if not usually you need to spend a minute of managing cookies for every single webpage, which is daunting work, so everybody agrees, in order to save time, by forcefully agreeing to many things that most of us actually disagree. Therefore I want with this artwork actually to question what we are agreeing with. For me there is something similar between religious vocabulary, e.g. ‹I confess›, ‹You are forgiven› and ‹I accept›, ‹I allow›, ‹Accept and Continue› – words used on cookies buttons. They are both commands, representing interaction between humans and ‹invisible forces›, where the agents of the communications (the priest and website operator) know most innermost facts about us.»
As part of INNSBRUCK INTERNATIONAL, artist and filmmaker Guillermo Tellechea has been portraying Tyrolean artists in the format of Cinématons, single-take film portraits in Super 8 format, since 2013. Tellechea revived the format pioneered by Gérard Courant at the end of the 1970s, in which someone being filmed is given the opportunity to reveal ‘essential truths of their being’ in one take and over precisely 200 seconds (Courant, 1989). The director has no role in staging the performances.
Since the inaugural edition of the biennial, they have featured Paul Albert Leitner, Dieter Henke and Marta Schreieck, Annja Krautgasser, Martin Philadelphy, Daniel Pöhacker, Eva Schlegel, Esther Stocker and Peter Quehenberger (2013); Lissie Rettenwander, Klaus Händl and Heidrun Sandbichler (2016); Jürgen Bauer, Romana Fiechtner and Peter Blaas (2018); and Martin Gostner,
Thomas Larcher, and Teresa Waas (2020).
This year, the archive of Tyrolean artists will be expanded to include visual artists Hellmut Bruch, Thomas Feuerstein, Nora Schöpfer, and Micha Wille, and the musician Florian Horwath.
INNSBRUCK INTERNATIONAL SPECIAL RECOGNITION AWARD 2022
The presentation of this yearʼs INNSBRUCK INTERNATIONAL Special Recognition Award at the venue Tourismus Information Innsbruck marked the opening of INNSBRUCK INTERNATIONAL. INNSBRUCK INTERNATIONAL has set itself the task of honouring artists with a connection to Tyrol in order to support them in their further development and profiling in an
international context.
Previous award winners are Heidrun Sandbichler (2016), Addie Wagenknecht (2018) and Julia Rhomberg (2020). This recognition involves a possibility for showing or exhibiting the artist’s work and the production of new works. This year, the award will be granted to artist Michael Strasser.
—————————–
Places and their history often serve as a starting point for Michael Strasserʼs research-based works, which are realized in a wide variety of media and oscillate between photography, video, installation, sculpture, and performance. For INNSBRUCK INTERNATIONAL, he examined the history of the building at Angerzellgasse 4, which houses Galerie A4 and serves as the inspiration for his work and his exclusive solo exhibition, One Universe.
Ruben Aubrechtʼs work subversively negotiates living conditions at the nexus between analogue and digital culture, often adding a touch of irony to productively invert the structures he addresses.
In Walking a Straight Line, Aubrecht analyses the perpetual need to understand the digital world, in which constant availability and fluidity with regard to authorship prevails. In this work, the metadata of his mobile phoneʼs GPS movement profile, generated by a straight line tracing the artistʼs path, is lasered into a black stone slab; he ‘records’ the date that would be current if all the time wasted on the internet was deducted (IF I SUBTRACT ALL THE TIME I HAVE SPENT USELESSLY SURFING THE INTERNET).
In his 472-page book of «cookies» from the magazine «Monopol», he identifies the pages that we, as users, agree to when we load the page and which, in turn, create an image of who we are in the background, based on the standards they impose.
(Lit. e.g. from Kunstraum Lakeside, 2021, Franz Thalmair and Gudrun Ratzinger)
Ruben Aubrechtʼs work subversively negotiates living conditions at the nexus between analogue and digital culture, often adding a touch of irony to productively invert the structures he addresses. For example, an incessantly blinking light bulb may hang unceremoniously from a long cable, yet the blinking rhythm follows Morse code. Observers trained in the code read the message Conceptual Art is Boring, but in any case, viewers are left with two options, the outcome of which is similar: In the first, when the message is decoded successfully, oneʼs perception of both the work and the process of viewing it has to be adjusted. In a second scenario, when deciphering fails, the corresponding disappointment leads to the same result.
(Lit. e.g. from Kunstraum Lakeside, 2021, Franz Thalmair and Gudrun Ratzinger)
Gesellschaften erzeugen ihr Selbstbild nicht nur durch eine bestimmte Gegenwart, sondern auch dadurch, wie sie erinnern. Kein Zufall also, dass die Erinnerungskultur ein umkämpftes Feld ist. Und umkämpfte Felder sind auch künstlerisch interessant. Könnte es etwa sein, die zweite Belagerung Wiens war doch erfolgreich und wir leben seit Jahrhunderten in einer jüdisch-muslimischen Leitkultur? Und nur der Kunst fällt es auf.
————————–
Max Czollek lebt in Berlin. Studium Politikwissenschaften, FU Berlin sowie Promotion am Zentrum für Antisemitismusforschung, TU Berlin. Mitglied des Lyrikkollektivs G13 und Mitherausgeber des Magazins „Jalta – Positionen zur jüdischen Gegenwart“. Gemeinsam mit Sasha Marianna Salzmann Initiator von „Desintegration. Ein Kongress zeitgenössischer jüdischer Positionen“ (2016), der „Radikalen Jüdischen Kulturtage“ (2017) am Maxim Gorki Theater Berlin, Studio Я sowie „Tage der Jüdisch-Muslimischen Leitkultur“ (2020) an Theatern im ganzen deutschsprachigen Raum. Die Gedichtbände erscheinen im Verlagshaus Berlin, die Essays im Carl Hanser Verlag. Seit Juni 2021 Akademisch-künstlerischer Leiter der im Juni 2021 gegründeten Initiative “Coalition for Pluralistic Public Discourse” (CPPD).
Die Gedichtbände Druckkammern (2012) und Jubeljahre (2015) sowie Grenzwerte (2019) erschienen im Verlagshaus Berlin. Das Essay Desintegriert Euch! erschien 2018, Gegenwartsbewältigung 2020 im Carl Hanser Verlag.
Zu den wesentlichen Bedrohungen unserer Zeit gehören globale Erwärmung, das stetig wachsende Gefälle von Arm und Reich, Kriege und Konflikte um natürliche Ressourcen, sowie deren fortschreitende Ausbeutung, der Verfall demokratisch sicher geglaubter Errungenschaften von Freiheits- und Menschenrechten und die zunehmende Aushöhlung von auf Fakten und Tatsachen basierenden Entscheidungen.
Antworten auf diese Probleme scheinen unmöglich zu sein – nicht, weil sie nicht gelöst werden können, sondern weil sie eine radikale Änderung des Verhaltens von uns allen erfordern. Das Verbergen der Schwierigkeiten und Probleme, denen wir uns nicht stellen wollen, ist ein individueller psychologischer wie auch ein kollektiver gesellschaftlicher Mechanismus, den wir alle kennen.
Was wird unter den Teppich gekehrt, hier und in der gesamten europäischen Gemeinschaft? Die Kunstinstallation UNTER DEM TEPPICH bietet Bilder einer Nation, die sich auf die politische, kulturelle, soziale und Medienlandschaft innerhalb oder außerhalb eines bestimmten europäischen Landes beziehen. Nach Stationen in Deutschland, Kroatien und Slowenien erheben God‘s Entertainment dieses Mal das „österreichische Nationalgewebe” und bringen es, am seidenen Faden hängend, in die Schwebe. Um diese multimediale Collage besuchen zu können, müssen die Zuschauer*innen selbst dorthin, wo alles Vergessene und Verdrängte sich sammelt: unter den Teppich.
BLOCKFREIE STAATEN – EIN BEISPIEL DER SOUVERÄNITÄT
Heute spiegelt die internationale politische Ordnung in erster Linie die Interessen der multinationalen Konzerne wider, und wenn sie jemanden schützt, dann die Bürger der Länder, in denen sich die Hauptsitze dieser Konzerne befinden. Diese Situation führt dazu, dass die Mehrheit der Bevölkerung (4,3 Milliarden Menschen) unterhalb der Armutsgrenze lebt und viele Menschen (nach vorsichtigen Schätzungen der UNO 45 Millionen) buchstäblich hungern (laut FAO sind im 21. Jahrhundert zwischen 1,5 und 2,5 Milliarden Menschen vom Hunger bedroht).
Trotz zahlreicher technologischer Innovationen, natur- und sozialwissenschaftlicher Erkenntnisse sind Hunger und Armut, das Hauptproblem der modernen Welt, nicht beseitigt. Es wird sich in Zukunft wahrscheinlich noch verschlimmern, da die durch den Klimawandel am stärksten gefährdeten Länder dieselben sind, in denen jetzt schon Armut herrscht.
Die gängigste Erklärung für diese Situation lautet, dass die armen Länder selbst an ihrer Misere schuld sind. Die Schuldigen werden in kulturellen Eigenheiten, Unwissenheit, Korruption, einer nicht wettbewerbsfähigen Wirtschaft usw. gesehen. In jüngster Zeit hat der Westen eine gewisse Schuld des Westens am kolonialen Erbe anerkannt, geht aber fast nie auf die Analyse der Institutionen ein, die für die Aufrechterhaltung dieser Situation entscheidend sind – Weltbank, WTO, IWF, regionale und bilaterale Handelsabkommen, UNO usw. Diese Institutionen sorgen für perverse Kreditsysteme, den Handel mit CO2-Fußabdrücken, die Einrichtung von Schiedsgerichten, die Spekulation mit Nahrungsmitteln und viele andere Maßnahmen, auf denen die moderne Wirtschaft beruht und die den Unterschied zwischen Arm und Reich aufrechterhalten und vergrößern.
Institutionen wie die G77, die Bewegung der Blockfreien Staaten und zahlreiche Bürgerinitiativen wurden geschwächt und haben keinen Einfluss auf die Schaffung einer Weltordnung, was zu weiteren Frustrationen, Bürgerkriegen, lokalem Imperialismus und ähnlichen Aktivitäten führt, die die Menschen, für deren Gerechtigkeit sie angeblich kämpfen, weiter bedrohen. Die Nutznießer all dieser Instabilitäten sind immer diejenigen, die uns in Wirklichkeit am meisten bedrohen: die Produzenten und Händler von Waffen und Öl.
Einer solchen Welt wollte sich die Bewegung der Blockfreien entgegenstellen, die sich zumeist aus neu entkolonialisierten Ländern zusammensetzte, die den Entwicklungsweg gewählt hatten, den Europa ein halbes Jahrhundert vor ihnen gegangen war. Diese Entwicklung beruhte auf dem Schutz der eigenen Produktion durch Zollschranken, auf öffentlichen Ausgaben in den Bereichen Bildung, Gesundheit und Infrastruktur und damit auf dem Aufbau von Institutionen, Industrie und Märkten. Fast alle Länder führten eine Agrarreform durch, bei der das Land der Kolonialherren an die einheimischen Bauern verteilt wurde. Nach allen Parametern brachte diese Entwicklung diesen Ländern ein besseres Leben, und ihre Fortschritte hielten mehr als ein Jahrzehnt an, als die gegenteiligen Prozesse in Gang gesetzt wurden, die Deregulierung der Märkte und die Beseitigung von Zollschranken, die so genannten Strukturanpassungen, die eine Kürzung der öffentlichen Ausgaben und Privatisierungen bedeuteten, kurz gesagt, alles, was dem Westen zum Nachteil der lokalen Bevölkerung zugute kam.
Diese Prozesse laufen schon seit Jahrzehnten, und es gibt keine politische Gegenkraft. Das Ergebnis sind jährliche Verluste in Höhe von 2,6 Billionen Dollar durch den so genannten ungleichen Austausch, 1,7 Billionen Dollar durch überbewertete Rechnungen (meist innerhalb derselben Unternehmen), 1 Billion Dollar durch Kapitalabflüsse, 500 Milliarden Dollar an Kosten für die globale Erwärmung, 211 Milliarden Dollar an gezahlten Zinsen, 60 Milliarden Dollar an gezahlten Patentrechten usw., insgesamt also mehr als 5 Billionen Dollar. Jährlich. Es ist daher wichtig, in die Vergangenheit zurückzugehen und die Architektur der politischen Beziehungen zu einer Zeit zu erforschen, als die Bewegung der Blockfreien eine wichtige politische Rolle spielte und ein Gegengewicht zu den Interessen der multinationalen Konzerne bildete, um als Inspiration für das Handeln in der modernen Welt zu dienen.
——————————–
Oliver Frljić
is a theater director born in 1976 in Travnik in Bosnia-Herzegovina. For about 20 years, first in Croatia, then in the Balkans and now in Europe, he has been directing plays that „mean something“. Through the selection of texts and topics, directing procedures and artistic guidance of the Croatian National Theatre in Rijeka (2014-16) he instigates or engages in discussions on important and current ethical, social and cultural issues. This earned him the epithet of a controversial artist, but if you follow his work carefully, you will quickly see that the only thing that is controversial is that we didn’t talked about those topics before.
Boris Buden
(1958, Garešnica, Croatia), is a philosopher, translator and cultural theorist. He received PhD in Cultural Theory from the Humboldt University, Berlin. Since 1984 he has worked as a free-lance journalist and writer. Buden regularly publishes essays in German, English and French on philosophical, political, and cultural subjects pertaining to the former Yugoslavia, western Europe and the United States of America in such journals as Zeitschrift für Psychoanalyse und Gesellschaftskritik, Literatur und Kritik, and the Vienna cultural magazine Springerin. He teaches cultural theory at the Faculty of Art and Design, Bauhaus University, Weimar.
Đorđe Balmazović
is the member of collective Škart, which was founded in 1990 in Belgrade. In 1990s, the collective was making poetry “samizdat” books and distributed them in the street actions. In 2000s Škart founded two collective – choir and orchestra Horkeškart and female embroidery group. In 2008. the collective started Pesničenje (Poetrying), a festival of experimental poetry which lasted 5 years. From 2012. onwards, the collective works in foster care house in Bela Crkva and they have done several workshops with migrants based in asylum centres in Serbia. Đorđe Balmazović earn his wage working as graphic designer.
Davor Mišković
is cultural worker from Rijeka. He is a director of the cultural organization Drugo more. Most of his work is related to programing, research and fundraising in Drugo more. Beside that he is involved in advocacy for independent cultural scene in Croatia and the Balkans.
BLOCKFREIE STAATEN – EIN BEISPIEL DER SOUVERÄNITÄT
Heute spiegelt die internationale politische Ordnung in erster Linie die Interessen der multinationalen Konzerne wider, und wenn sie jemanden schützt, dann die Bürger der Länder, in denen sich die Hauptsitze dieser Konzerne befinden. Diese Situation führt dazu, dass die Mehrheit der Bevölkerung (4,3 Milliarden Menschen) unterhalb der Armutsgrenze lebt und viele Menschen (nach vorsichtigen Schätzungen der UNO 45 Millionen) buchstäblich hungern (laut FAO sind im 21. Jahrhundert zwischen 1,5 und 2,5 Milliarden Menschen vom Hunger bedroht).
Trotz zahlreicher technologischer Innovationen, natur- und sozialwissenschaftlicher Erkenntnisse sind Hunger und Armut, das Hauptproblem der modernen Welt, nicht beseitigt. Es wird sich in Zukunft wahrscheinlich noch verschlimmern, da die durch den Klimawandel am stärksten gefährdeten Länder dieselben sind, in denen jetzt schon Armut herrscht.
Die gängigste Erklärung für diese Situation lautet, dass die armen Länder selbst an ihrer Misere schuld sind. Die Schuldigen werden in kulturellen Eigenheiten, Unwissenheit, Korruption, einer nicht wettbewerbsfähigen Wirtschaft usw. gesehen. In jüngster Zeit hat der Westen eine gewisse Schuld des Westens am kolonialen Erbe anerkannt, geht aber fast nie auf die Analyse der Institutionen ein, die für die Aufrechterhaltung dieser Situation entscheidend sind – Weltbank, WTO, IWF, regionale und bilaterale Handelsabkommen, UNO usw. Diese Institutionen sorgen für perverse Kreditsysteme, den Handel mit CO2-Fußabdrücken, die Einrichtung von Schiedsgerichten, die Spekulation mit Nahrungsmitteln und viele andere Maßnahmen, auf denen die moderne Wirtschaft beruht und die den Unterschied zwischen Arm und Reich aufrechterhalten und vergrößern.
Institutionen wie die G77, die Bewegung der Blockfreien Staaten und zahlreiche Bürgerinitiativen wurden geschwächt und haben keinen Einfluss auf die Schaffung einer Weltordnung, was zu weiteren Frustrationen, Bürgerkriegen, lokalem Imperialismus und ähnlichen Aktivitäten führt, die die Menschen, für deren Gerechtigkeit sie angeblich kämpfen, weiter bedrohen. Die Nutznießer all dieser Instabilitäten sind immer diejenigen, die uns in Wirklichkeit am meisten bedrohen: die Produzenten und Händler von Waffen und Öl.
Einer solchen Welt wollte sich die Bewegung der Blockfreien entgegenstellen, die sich zumeist aus neu entkolonialisierten Ländern zusammensetzte, die den Entwicklungsweg gewählt hatten, den Europa ein halbes Jahrhundert vor ihnen gegangen war. Diese Entwicklung beruhte auf dem Schutz der eigenen Produktion durch Zollschranken, auf öffentlichen Ausgaben in den Bereichen Bildung, Gesundheit und Infrastruktur und damit auf dem Aufbau von Institutionen, Industrie und Märkten. Fast alle Länder führten eine Agrarreform durch, bei der das Land der Kolonialherren an die einheimischen Bauern verteilt wurde. Nach allen Parametern brachte diese Entwicklung diesen Ländern ein besseres Leben, und ihre Fortschritte hielten mehr als ein Jahrzehnt an, als die gegenteiligen Prozesse in Gang gesetzt wurden, die Deregulierung der Märkte und die Beseitigung von Zollschranken, die so genannten Strukturanpassungen, die eine Kürzung der öffentlichen Ausgaben und Privatisierungen bedeuteten, kurz gesagt, alles, was dem Westen zum Nachteil der lokalen Bevölkerung zugute kam.
Diese Prozesse laufen schon seit Jahrzehnten, und es gibt keine politische Gegenkraft. Das Ergebnis sind jährliche Verluste in Höhe von 2,6 Billionen Dollar durch den so genannten ungleichen Austausch, 1,7 Billionen Dollar durch überbewertete Rechnungen (meist innerhalb derselben Unternehmen), 1 Billion Dollar durch Kapitalabflüsse, 500 Milliarden Dollar an Kosten für die globale Erwärmung, 211 Milliarden Dollar an gezahlten Zinsen, 60 Milliarden Dollar an gezahlten Patentrechten usw., insgesamt also mehr als 5 Billionen Dollar. Jährlich. Es ist daher wichtig, in die Vergangenheit zurückzugehen und die Architektur der politischen Beziehungen zu einer Zeit zu erforschen, als die Bewegung der Blockfreien eine wichtige politische Rolle spielte und ein Gegengewicht zu den Interessen der multinationalen Konzerne bildete, um als Inspiration für das Handeln in der modernen Welt zu dienen.
——————————–
Oliver Frljić
is a theater director born in 1976 in Travnik in Bosnia-Herzegovina. For about 20 years, first in Croatia, then in the Balkans and now in Europe, he has been directing plays that “mean something”. Through the selection of texts and topics, directing procedures and artistic guidance of the Croatian National Theatre in Rijeka (2014-16) he instigates or engages in discussions on important and current ethical, social and cultural issues. This earned him the epithet of a controversial artist, but if you follow his work carefully, you will quickly see that the only thing that is controversial is that we didn’t talked about those topics before.
Boris Buden
(1958, Garešnica, Croatia), is a philosopher, translator and cultural theorist. He received PhD in Cultural Theory from the Humboldt University, Berlin. Since 1984 he has worked as a free-lance journalist and writer. Buden regularly publishes essays in German, English and French on philosophical, political, and cultural subjects pertaining to the former Yugoslavia, western Europe and the United States of America in such journals as Zeitschrift für Psychoanalyse und Gesellschaftskritik, Literatur und Kritik, and the Vienna cultural magazine Springerin. He teaches cultural theory at the Faculty of Art and Design, Bauhaus University, Weimar.
Đorđe Balmazović
is the member of collective Škart, which was founded in 1990 in Belgrade. In 1990s, the collective was making poetry “samizdat” books and distributed them in the street actions. In 2000s Škart founded two collective – choir and orchestra Horkeškart and female embroidery group. In 2008. the collective started Pesničenje (Poetrying), a festival of experimental poetry which lasted 5 years. From 2012. onwards, the collective works in foster care house in Bela Crkva and they have done several workshops with migrants based in asylum centres in Serbia. Đorđe Balmazović earn his wage working as graphic designer.
Davor Mišković
is cultural worker from Rijeka. He is a director of the cultural organization Drugo more. Most of his work is related to programing, research and fundraising in Drugo more. Beside that he is involved in advocacy for independent cultural scene in Croatia and the Balkans.
Die Identität, die hinter jeglicher Tätigkeit steht und an dieser Stelle bildsprachlich befreit wird, erzeugt eine neue Wirklichkeit und Rezeption der Tätigkeit. Uber diese nachgestellte Bildsprache entdeckt sich eine möglich endlose Entwicklung der Machtmechanismen und Veränderbarkeit des Körpers, strukturiert sich eine neue Wahrnehmung der Provinz, eine künstlerische Auseinandersetzung mit Tradition, Patriotismus, der katholischen Kirche, Heldentum und ihren Rollen in der Gesellschaft. Hier stellt sich die Frage des Vertrauens zur künstlerischen Arbeit, die Frage der Wechselwirkung zwischen Fiktion und Realität und die Frage des individuellen Verhältnisses zu den Bildern bzw. ihrer Referenz. Diese Bilder reflektieren das Bewusstsein des Zuschauers und seine Selbstbestimmtheit zur politischen Position der Sujets.
Alle Bilder entsprechen der Realität, welche in der Provinz immer wieder vermieden wird. Diese Realität ist Tiroler Realität, die wir nicht im Dunkel lassen dürfen, weil sie aus einer Schule der Tradition kommt, in welcher eine ländliche Erziehungsform herrscht. Diese Form der Tradition entspringt zu Hause und verpflichtet jeden: diese Fälle, welche die Bilder reflektieren, muss man vermeiden weil sie unserer Tradition schaden und versuchen Schande aufs Land, auf Familienruf und die katholische Kirche zu bringen. Sie führen zur Erniedrigung des Menschen und so zur ländlichen Gesellschaft. Man darf nicht vergessen: Bisch a Tiroler, bisch a Mensch. Ebenso darf man nicht vergessen, dass unser Land, unsere Familie und unsere Kirche die Prioritäten sind! Dieses Heilige Trio wird hier nie zum Verzweifeln kommen. Bevor eine Möglichkeit zur Verzweiflung besteht oder bevor solche Bilder in die Öffentlichkeit kommen, muss man sie verhindern und besiegelt aus Tirol vertreiben.
What reverberates? Are there still traces, places that revive the “of yesterday”? The afterlife of fascist aesthetics cannot always be clearly experienced. It is the changing persistence of subliminal images, often overwritten, reinterpreted and reinterpreted, sometimes there, sometimes there, noticeably visible. The performance exposes the fascistoid aesthetic as not exclusively historical fact, but as a fluid, contemporary narrative of images.
IKU
Iku divides her time between music and sculpture. Her audio work layers and carefully weaves associative samples into a complex entanglement of emotionally-charged sounds. The Berlin-based musician and visual artist playfully balances ambient elements with thumping club beats and creates a fascinating mesh of poetic lyrics, hypnagogic piano progressions, alien insect sounds, and horror movie soundscapes.
—————————————–
GOLIN
Passionate and oddly baroque in its digital zeitgeist, Golin’s work blurs the lines between mainstream pop and experimental electronic music. Her approach is informed by a unique perspective on the way music can mediate contemporary experience of cultural and physical displacement.
She first appeared in 2016 as Rin, featuring on Ziúr’s track “Lilith”. Her debut as Golin – the entirely self-produced debut EP Momo (Midlife Music) – came the next year in 2017, followed in 2018 by Fushigi, a collaborative EP with producer Buga, courtesy of Shanghai’s Genome 6.66 Mbp label. Following a two-year residency at Brussels’ favorite cultural house Beursschouwburg and a year as part of the European SHAPE network’s platform, the CalArts-trained dancer released her most recent solo EP Crush via True Panther’s Twin imprint in October 2020.
Golin is a Japanese – American artist, singer, producer, classically-trained pianist and performance artist born in Tagawa, Japan.
—————————————–
ROSA ANSCHÜTZ
Anschütz investigates and utilises various fields of Transmedia Arts with a focus on sound, object and scenery including photography and film, creating a collage within and beyond her music.
As a performer Anschütz embeds her reverberated voice – oscillating between singing and spoken words – in the delicately constructed sound structures that she creates with guitar, bass, drum machine and modular synthesizer. Her voice softly floats without losing its depth through the ethereal and hypnotic sound spheres – from the sacred, gloomy mood reminiscent of Nico to the post-punk aura of Joy Divisions.
With the debut record „Rigid“, which came out on Quiet Love Records in 2019, Anschütz successfully amalgamated her daily notes and rituals as well as the highs and lows of the emotions into the stunning EP. It was soon followed by „Votive“, her first full length album featuring a collection of nine ‘votives’, through which the artist rendered not only her sonic gift but also the physical transformation of the offerings as the ceramic objects. The album „Votive“ received highly acclaimed reviews such as ‘fascinating, captivating album down to the last chord’ to ‘an impressive work that sums up the world of feelings.’
Rosa Anschütz is a German artist, composer and vocalist based in Berlin and Vienna.
powered by Steinmayr & Co
————————–
10H SAORI HALA
13H AKEMI TAKEYA
16H ENRIQUE GASA VALGA & OUMY CISSÉ
Registration: info@innsbruckinternational.com
————————–
SAORI HALA
Saori Hala (born 1988 in Tokyo), choreographer and dance artist based in Berlin and Tokyo, researches into the theme of «the manoeuvred body», especially since the aftermath of the 2011 Great East Japan Earthquake and the nuclear accident at Fukushima. In recent years, she has been fascinated by the relationship between society and the body.
————————–
AKEMI TAKEYA
»Schrei X8 – The Vocalic Body«
What to do when you feel like you want to scream? In Takeya’s workshop we will track down heldback emotions and try to release them with this effective act of catharsis. Meanwhile we build up awareness for the inter-relationship between the voice and the body, which leads to the creation of our own compositions of vocalic screams. Born in Japan, Akemi Takeya is a choreographer and performer who works across fields such as dance, theater, film/video, photography and music.
————————–
ENRIQUE GASA VALGA & OUMY CISSÉ
Enrique Gasa Valga and Oumy Cissé offer a workshop, enabling the public to gain from their experience: “I would like to share the experience with the students of creating and developing a choreography, so I will make dance movements that belong to all the participants and that is why I have the assistance of one of my great soloists, Oumy Cissé.” (EGV)
Enrique Gasa Valga, Spanish Ballet School of Maria de Avila/Zaragoza, member of the Cuban National Ballet, Head of Tanzcompany ballet at TLT 2009-22
Oumy Cissé, Ecole National Supérieure de Ballet Marseille, Norwegian National Ballet, Delattre Dance Company; since 2019 member of Tanzcompany at TLT
In Dear Darkness, Anoinette Zwirchmayr brings together three former best friends in a villa forgotten by time. She inserts them, with all their expectations, insecurities, and fears, into twelve scenes, in rooms that emanate the grand splendor of a lost era and the austere abstraction of a black box. Trapped between the wish to project a good image and the wish to open up to the others, the women make no headway and become rigid. But in the interplay of body and speech, poses and gazes, décor and costumes, this chamber play goes into shimmering motion. The realm of signs and allegories is highly condensed, and the references extend from cinematic melodrama, minimal art, and romantic songs to the theater of the absurd. (Esther Buss)
————————–
ANTOINETTE ZWIRCHMAYR Dear Darkness 2021
16mm / color / sound / 1S / 29′ 00
German
In conjunction with INNSBRUCK INTERNATIONAL 2022, Oliver Hangl hosts his ‘Walking Concert’ series, which since 2013 has literally sent Austrian musicians and audiences on to the streets. With each Walking Concert, new avenues open up through public and perhaps even private spaces in the city, revealing reality as an uncontrollable setting for mobile concert stages.
————————————————
OLIVER HANGL
Performance/media artist, curator, urban activist. Hangl pushes at the boundaries between physical and psychological spaces. His work takes place in real and fictional settings. With the public space as his stage he playfully embeds a site and context-responsive set of experiences and interactions for both planned and incidental audiences. Director of project space k48 – offensive for contemporary perception in Vienna and founder, artistic director of WIENER BESCHWERDECHOR
————————————————
ANNA ANDERLUH
“They say leave me the birds and the bees, and I say yes, but leave me the TV and some fat
cheese too.”
Anna Anderluh’s songs speak of the necessity of absurdity, audacity, and stupidity. She describes her music as ‘pop with a crack’ that bridges the gap between tender poetry and harsh social criticism, between simple, fragile songs and experimental vocal improvisation. Through humour and sensitivity, she finds magic in seemingly insignificant details that shine through without adding additional polish. As we listen, we are left with unconventional sounds that dispense with haste and showmanship, are constantly evolving, and refuse to give us the impression that they are finished. Because finished is bland.
Anna Anderluh: vocals, autoharp, beautiful little things, born in Klagenfurt, singer, composer, performer, and musician.
In conjunction with INNSBRUCK INTERNATIONAL 2022, Oliver Hangl hosts his ‘Walking Concert’ series, which since 2013 has literally sent Austrian musicians and audiences on to the streets. With each Walking Concert, new avenues open up through public and perhaps even private spaces in the city, revealing reality as an uncontrollable setting for mobile concert stages.
————————————————
OLIVER HANGL
Performance/media artist, curator, urban activist. Hangl pushes at the boundaries between physical and psychological spaces. His work takes place in real and fictional settings. With the public space as his stage he playfully embeds a site and context-responsive set of experiences and interactions for both planned and incidental audiences. Director of project space k48 – offensive for contemporary perception in Vienna and founder, artistic director of WIENER BESCHWERDECHOR
————————————————
ANNA ANDERLUH
“They say leave me the birds and the bees, and I say yes, but leave me the TV and some fat
cheese too.”
Anna Anderluh’s songs speak of the necessity of absurdity, audacity, and stupidity. She describes her music as ‘pop with a crack’ that bridges the gap between tender poetry and harsh social criticism, between simple, fragile songs and experimental vocal improvisation. Through humour and sensitivity, she finds magic in seemingly insignificant details that shine through without adding additional polish. As we listen, we are left with unconventional sounds that dispense with haste and showmanship, are constantly evolving, and refuse to give us the impression that they are finished. Because finished is bland.
Anna Anderluh: vocals, autoharp, beautiful little things, born in Klagenfurt, singer, composer, performer, and musician.
In conjunction with INNSBRUCK INTERNATIONAL 2022, Oliver Hangl hosts his ‘Walking Concert’ series, which since 2013 has literally sent Austrian musicians and audiences on to the streets. With each Walking Concert, new avenues open up through public and perhaps even private spaces in the city, revealing reality as an uncontrollable setting for mobile concert stages.
————————————————
OLIVER HANGL
Performance/media artist, curator, urban activist. Hangl pushes at the boundaries between physical and psychological spaces. His work takes place in real and fictional settings. With the public space as his stage he playfully embeds a site and context-responsive set of experiences and interactions for both planned and incidental audiences. Director of project space k48 – offensive for contemporary perception in Vienna and founder, artistic director of WIENER BESCHWERDECHOR
————————————————
DIE STROTTERN
The Wienerlied (Viennese song) is alive and well! Die Strottern, the acoustic duo of Klemens Lendl and David Müller, bears some of the blame for this. Over the last 20 years, they have swept away the musical and lyrical cobwebs from the Viennese songs, reworking them into a genre that is now a part of the global songbook. Honours such as the AMADEUS Austrian Music Award or the German World Music Prize RUTH attest to this.
In collaboration with musicians from other genres, from jazz to early music, they continue to explore contemporary themes and new forms of expression for the Wienerlied, including, for example, with JazzWerkstatt Wien, Ensemble Mikado, Franui, Hannes Löschel, Christoph Bochdansky, Matthias Schorn, Willi Resetarits, and Velvet Elevator, among others.
Klemens Lendl: vocals & violin, born 1972 in Vienna, lives in Klosterneuburg, married, with four sons.
David Müller: vocals & guitar, born 1974 in Klosterneuburg, lives in Klosterneuburg, married, with two daughters.
In conjunction with INNSBRUCK INTERNATIONAL 2022, Oliver Hangl hosts his ‘Walking Concert’ series, which since 2013 has literally sent Austrian musicians and audiences on to the streets. With each Walking Concert, new avenues open up through public and perhaps even private spaces in the city, revealing reality as an uncontrollable setting for mobile concert stages.
————————————————
OLIVER HANGL
Performance/media artist, curator, urban activist. Hangl pushes at the boundaries between physical and psychological spaces. His work takes place in real and fictional settings. With the public space as his stage he playfully embeds a site and context-responsive set of experiences and interactions for both planned and incidental audiences. Director of project space k48 – offensive for contemporary perception in Vienna and founder, artistic director of WIENER BESCHWERDECHOR
————————————————
DIE STROTTERN
The Wienerlied (Viennese song) is alive and well! Die Strottern, the acoustic duo of Klemens Lendl and David Müller, bears some of the blame for this. Over the last 20 years, they have swept away the musical and lyrical cobwebs from the Viennese songs, reworking them into a genre that is now a part of the global songbook. Honours such as the AMADEUS Austrian Music Award or the German World Music Prize RUTH attest to this.
In collaboration with musicians from other genres, from jazz to early music, they continue to explore contemporary themes and new forms of expression for the Wienerlied, including, for example, with JazzWerkstatt Wien, Ensemble Mikado, Franui, Hannes Löschel, Christoph Bochdansky, Matthias Schorn, Willi Resetarits, and Velvet Elevator, among others.
Klemens Lendl: vocals & violin, born 1972 in Vienna, lives in Klosterneuburg, married, with four sons.
David Müller: vocals & guitar, born 1974 in Klosterneuburg, lives in Klosterneuburg, married, with two daughters.
In her solo performance developed in collaboration with DJ and video artist Boris Kopeinig, Austrian choreographer Doris Uhlich looks into the question of how new technologies are changing the way we think about the body.
The focal point of the piece is a tank built by the Berlin collective Proper Space. Its shape resembling an oversized test tube, the body can be presented in this container as a field for experimentation and as an object of conversion. The tank trope has featured prominently in science-fiction since the latter half of the 20th century and stands for the isolation of unknown, dangerous life-forms. In Doris Uhlich’s performance, it becomes a place of studying and testing bodily transformations.
Since the stage version of TANK (world premiere 2019, tanzhaus nrw), Doris Uhlich and Boris Kopeinig have developed site-specific versions of this piece. TANK site specific was first performed at the Department of Anthropology of the Natural History Museum in Vienna, where Doris Uhlich moved about the history of humankind. TANK will next be featured at the Tyrolean State Museum Ferdinandeum’s permanent art history exhibition as part of INNSBRUCK INTERNATIONAL, performed from the center of the Leopold Fountain alongside its original mythological figures.
——————————–
Conception Doris Uhlich, Boris Kopeinig
Choreography, Performance Doris Uhlich
DJ/Sound Boris Kopeinig
Dramaturgical collaboration Adam Czirak, Yoshie Maruoka
Text Boris Kopeinig, Doris Uhlich
Tank Proper Space (Angela Ribera, Konstanze Grotkopp, Juliette Collas)
Light Gerald Pappenberger, Sergio Pessanha
Production Margot Wehinger
Internationale Distribution Something Great, www. somethinggreat.de
Thanks to Karin Harrasser und Marian Kaiser
Premiere 17/11/2021 Naturhistorisches Museum Vienna
Coproduction tanzhaus nrw Düsseldorf, ImPulsTanz Vienna, brut Vienna
In her solo performance developed in collaboration with DJ and video artist Boris Kopeinig, Austrian choreographer Doris Uhlich looks into the question of how new technologies are changing the way we think about the body.
The focal point of the piece is a tank built by the Berlin collective Proper Space. Its shape resembling an oversized test tube, the body can be presented in this container as a field for experimentation and as an object of conversion. The tank trope has featured prominently in science-fiction since the latter half of the 20th century and stands for the isolation of unknown, dangerous life-forms. In Doris Uhlich’s performance, it becomes a place of studying and testing bodily transformations.
Since the stage version of TANK (world premiere 2019, tanzhaus nrw), Doris Uhlich and Boris Kopeinig have developed site-specific versions of this piece. TANK site specific was first performed at the Department of Anthropology of the Natural History Museum in Vienna, where Doris Uhlich moved about the history of humankind. TANK will next be featured at the Tyrolean State Museum Ferdinandeum’s permanent art history exhibition as part of INNSBRUCK INTERNATIONAL, performed from the center of the Leopold Fountain alongside its original mythological figures.
————————————-
Conception Doris Uhlich, Boris Kopeinig
Choreography, Performance Doris Uhlich
DJ/Sound Boris Kopeinig
Dramaturgical collaboration Adam Czirak, Yoshie Maruoka
Text Boris Kopeinig, Doris Uhlich
Tank Proper Space (Angela Ribera, Konstanze Grotkopp, Juliette Collas)
Light Gerald Pappenberger, Sergio Pessanha
Production Margot Wehinger
Internationale Distribution Something Great, www. somethinggreat.de
Thanks to Karin Harrasser und Marian Kaiser
Premiere 17/11/2021 Naturhistorisches Museum Vienna
Coproduction tanzhaus nrw Düsseldorf, ImPulsTanz Vienna, brut Vienna
‘G String’ is Florian Horwath’s first solo album in ten years. At one point, Sven Regener helped Florian Horwath stay true to himself. He doesn’t give a damn about recording technology, what matters is the moment. If it electrifies you, lifts you up, brings tears to your eyes, sends shivers down your spine, then you’re done. One take is the magic number. Perfection is death.
Legendary duet with Nina Persson of the Cardigans, various tours with Element of Crime, European tour with the Cardigans. By personal request of the artists, special guest performances with Patti Smith and Beck. Also writes. Filmmaker, scripts, acting. Design. The Essence (together with Frank Leder). Project with I-Wolf. Rocket Science. Albums with Seelenluft (including the hit ‘Horse with No Name’) and as Grom. Austrian Film Award 2021, Best Film Score. Tiantan Award Beijing, China, Best Film Score (biggest cultural festival in China). Projects with the painter Martin Eder, Erobique. Own hat collection with Mühlbauer hatmakers, including a concert tour in Japan.
Award Ceremony INNSBRUCK INTERNATIONAL Special Recognition Award
from 21H God´s Entertainment MISSING (Performance)
Florian Horwath (DJ-Set)
>> GGGHMH – guggenheim in innsbruck?, Marktplatz Innsbruck